音乐在恐怖影视作品中的应用是怎样的？

日报标题：看恐怖电影时，是他们努力让你听到呼吸和心跳

Harrybocai，微信公众号「影乐志」带你重识电影音乐

乐理知识匮乏，就借此题简单地说说好莱坞“恐怖”电影配乐的形式变化，希望对题主能有些许的帮助。答主俺也是边找资料，边以个人理解而写成的半桶水，部分阐述可能不够严谨、全面，如有疑问，欢迎探讨。

首先，以下我们提到的“恐怖”电影基本是指让人产生恐惧恐慌情绪的电影，像《亚当斯一家》（The Addams Family）这样的恐怖喜剧系列，是不在我们本次的谈论范围内的。

“恐怖”电影本身大体上是以超现实题材和现实心理惊悚题材为主，所以，电影音乐的表现根据不同具体的题材、以及当时音乐发展的状态不同而会有所区别。总的来说，“恐怖”电影配乐范畴更像是二十世纪现代音乐技法的集中体现，无论是无调音乐，十二音序列，还是在音乐中尝试一些声音造型的全新塑造，以及先锋派们的实验型作品，这里均有它们自己的一席之地。

纵观整个“恐怖”电影配乐史，在 40 年代逐步成熟时候之后，合成器成熟运用的七十年代前。主流“恐怖”电影配乐的形态基本可以从《金刚》（King Kong, 1933）的音乐中初见端倪。由于在当时动效发展的局限性，音乐是需要兼顾叙事功能的，因而从本质上来讲，它对影片上所渲染的情绪产生影响是有限的。不过，当时对“恐怖”题材的创新除了创作法本身（乐理小白，略去不表）外，还尝试性的引入人声、管风琴这样的在当时非常规编制，其中具有代表性的作品就是《化身博士》（Dr. Jekyll and Mr. Hyde，1931）了，虽然全片配乐也只是零零碎碎的一点，但当时的配乐师已经开始有意识的注意到这些音乐表现问题了。几年后，从《科学怪人的新娘》（Bride of Frankenstein, 1935）、《狼人》（The Wolf Man, 1941）这些作品的上映，音乐开始更愿意辅以浪漫主义关怀来体现人善怪恶的主题。

六十年代至七十年代间，“恐怖”电影配乐开始注重传统交响音乐和环境音的结合和情绪引导，最熟知的例子就是《惊魂记》（Psycho, 1960）和《大白鲨》（Jaws, 1975）了。就像这两部作品里，音乐运用创新的声音造型，来代表了具体事件和具体事物，一定程度上，音乐代替了一部分如今更注重的影片音效上。比起四十年后，如今音乐、音效间再次相互影响，两者界限越来越模糊，如此差距很大程度上还是由于音乐在当时的电影作品里依旧占据着主导地位。当然，像《他还活着》（It's Alive, 1975）的开场音乐里，带有早期“恐怖”配乐特制的作品也依旧存在，粗旷的铜管线条，同样是对观影者的一种冲击。

其实，最有意思的“恐怖”电影配乐时期，应该就是七、八十年代这二十年间里。合成器大量的商业化运用——区别于传统交响乐队的音色引发了不少它在电影上的尝试。值得注意的就是 Wendy Carlos 的《闪灵》（Shining, 1980），还有 John Carpenter 在自己一系列作品中“叮叮咚咚”持续的冷音色渲染。而此时期的传统管弦乐，也是配乐师创造力最为丰富的。比如 Jerry Goldmith 在《天魔》（The Omen, 1978）年的创作里就引用了大量现代派音乐创作的概念，“用节奏、织体元素替代了旋律（引自 12-tone 的短评）”，甚至还有宗教音乐元素的引入，将素材进行扭曲变形，达到了一种邪恶的效果。当然，还有像《鬼驱人》（Poltergeist, 1982）这样孩童视角的配乐带来的经典音画反转，Ennio Morricone 在《怪型》（The Thing, 1982）里经典的合成器制造出的心跳效果等等。

（下面应该略微开始和题主的问题沾边了）

八十年代的中生代渗透，“恐怖”电影题材的更加多样化。使得二十世纪九十年代到如今的二十一世纪初期，已经无法完全用一个或者几个类别来将音乐的创作概念归类了。但大体的音效化趋势不变，主要还是从两个方向加以体现：一个是传统管弦乐营造的配乐不和谐质感，比起早期的叙事作用基本完全被弱化掉；另一个就是主流商业化采用合成器直接带来的音效化创作，正如 @RAX XU 所说，俨然不完全称得上是“音乐”了。

要论及如今的恐怖音乐大师，就好莱坞层面，还得推荐一下 Christopher Young 和 Marco Beltrami 两位。他们如今的作品绝大多数均以惊悚、恐怖题材为主，并且他们都是作品能称为“音乐”的学院派写手。Marco Beltrami 在接手《怪型前传》（The Thing, 2011）时，除了沿用 Morricone 头一部的动机素材，还创造性的用乐队编制的逐步扩大模拟出“呼吸”效果（如谱例所示），和当年的的“心跳”呼应，颇具创意。