日报标题：「这些东西好难看啊，凭什么名气那么大？」
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为什么一些明显不符合正常审美的作品会被认为是艺术？
其实，美和艺术根本是两回事啊！
首先，有一些回答已经说明了一部分，那就是艺术的进程，就是不断地颠覆之前人们的审美观。你看到文艺复兴时期画的女神，觉得美极了，不可超越了。那的确是美，而且蕴含着和谐，节制，神韵，甚至灵魂。可是之后呢，人们的审美还能走到哪里去呢？于是后来，现代主义生长起来，由毕加索发扬光大。艺术从此想找到自己各自的意义，保持各类艺术的纯粹性。绘画不要雕塑的空间感，不要人体的和谐，只要它最本质，最纯粹的特征，那就是平面。
（毕加索 「梦」）
就这样，艺术在净化后，完成了自我实现。
那么另一个问题，什么是艺术品？
从杜尚起，到安迪沃霍尔终，这一个时代，完美地摔碎了所有的艺术品，建立起人们重重的疑惑。丹枫提到了他们，他很谦虚，说他是门外汉。那么我很抱歉地要说，的确，这种理解是错误的。下面一一反驳。
1. 杜尚不是返璞归真，杜尚是在引起恐慌。一个小便池放进展览馆就是艺术品，那日常生活中的小便池为什么不是艺术品？这就是杜尚提出的尖锐问题。是对艺术的嘲讽。和谐就是艺术？艺术就要美？这个小便池的名字叫「泉」，分明是在嘲弄安格尔。
一件艺术品不必代表美，美已经死了。……达达，废除一切社会阶级和等式，废除记忆回忆，废除考古学，废除未来……从和谐跃开，跃向另一个层次。
——查拉《达达宣言》
（杜尚「泉」）
（安格尔「泉」 和谐统一的美感，少女左侧柔和平滑的线条，腿微曲，和右侧丰富的物品和线条伸展构成一种灵动的和谐。而这精心设计的画作，被一个小便池无情打倒。）
2. 安迪沃霍尔的可乐瓶，想说明的并不是有趣。正相反，他要说明的是无趣。和商品无二致的呈现，不断的乏味的展现，怎么会引起有趣的思考呢？安迪要引起的，是现代人无止尽的空虚感。而他最重要的母题，梦露，也必然不是在强调人生是多姿多彩的。丹枫老师大约是个生活的乐观者，而沃霍尔，是个观望者，他热爱商品社会，也思考这个社会。匆匆浏览的展览，匆匆忙忙的社会，每个人都能成名十五分钟。推荐看看@成长回答的安迪沃霍尔问题，非常精彩。安迪·沃霍尔的作品美在何处？
（这是几个月前的答案，现在我觉得当时对安迪的理解有偏差，写的不好，伤心，以后写更正确的答案。）
3. 说到艺术，不可不避开阿瑟丹托，这个当代的艺术审视者。他在看了沃霍尔展览之后惊恐不已，回家后做了个实验「红方块实验」：
丹托构想了这样一个展览，有九幅尺寸质地相同的画布，涂满了相同的红颜料，第一幅是克尔凯郭尔描述过的一幅画，题目是“以色列人穿越红海”；第二幅是由一位心理洞察力极强的丹麦肖像画家创作的作品，名字叫“克尔凯郭尔的情绪”；第三幅题名为“红场”，机智地表现了莫斯科的风光；第四幅是极简主义绘画，碰巧的是，它的标题也叫做“红场”；第五幅是宗教绘画，题名为“涅槃”；第六幅 是由马蒂斯的门徒捉笔的静物画，叫做“红桌布”；第七幅是来自乔尔乔内作坊的敷了底色的画布；第八幅是用铅红上色而不是敷了底色的画布；第九幅是艺术愤青 J 先生拿来参加展览的题名为“无题”的作品。
前六幅显然都是艺术品。第七、八幅显然都不是艺术品。第九幅是件有争议的作品，丹托勉强算它是艺术品，却宣称它是“空洞”的。
——阿瑟·丹托：《寻常物的嬗变》
所以，什么是艺术？丹托为了解决这个问题写了无数文章，不再赘述，总之，已经远远不再是我们最初所和审美联系起来的那个艺术了。
4. 从杜尚到沃霍尔，他们带来的另一个风潮是：现在我们在评价一个当代艺术作品的时候，通常都是在理解它的思维过程，这在以前是不可想象的。
那么这时候我们可以思考一个问题了，艺术走到了这里，该怎么继续？当包装盒和小便池都成为艺术，复制品都成为艺术的时候，下一步，艺术该如何发展？
全世界都在找答案。
我是一个表达能力很差的人，但是我仍然急切地希望大家能够理解艺术，理解艺术品，不想再在这种问题下看到有人说这艺术就是装。
补充三点。
【一】有知友说我这想法太严肃。美学本属哲学，只是让我们对艺术有更多的思考，了解「为什么是这样」以及「还将会怎样」。有这样的前提，我们就可以开开心心地去欣赏艺术品了，困惑少了， 趣味也就多了。这里有 80 多个答案，几乎每个思考方向和理念都不一样，都是仁者见仁，智者见智的。我觉得这个问题很好，只要任何一个答案对一个人有启发，那就很棒了。
【二】艺术可以表现丑吗？可以，而且这在艺术史中举足轻重。艾柯就出了一本超厚多图慎入的书「丑的历史」，如果有机会翻阅一遍其中的图，你会浑身难受，面部扭曲，有异物感和呕吐感……（亲身体验）这不是说它们是糟糕的艺术品，正相反，很多是杰出的作品。那么，他们为什么会存在？以绘画为例，先看两张图。
（达利 内战的预感）
（毕加索 格尔尼卡）
以达利为代表的超现实主义绘画极尽扭曲恶心之能事，笔下全是萧条、夸张与不和谐。他自己说，他感到这个世界恶心透了，那就是他眼中溃烂腐朽的样子。（原话不记得了。）鲁迅说，他要“揭出痛苦，引起疗救的注意”。而对于达利诸人而言，只要揭出最深的痛苦和丑恶，至于引起什么，就你们感受一下，他们才不管。 再看毕加索的名画「格尔尼卡」，我们除了觉得太难看了这什么玩意儿这老子能画一百张之外，还剩什么呢？的确，我也一样，这画对于我来说，除了知道是个艺术品之外，毫无欣赏力和感情。但它不是为我们而生的。经历了二战创伤的西班牙小镇格尔尼卡，生灵涂炭，一片哀号。而毕加索的创作，满怀着反战的愤怒和苦痛，每一个经历了二战悲剧的人看到这个，都会产生强烈的震撼。这就是艺术场域（field），一群人理解一类艺术。这不是优美，而更偏向（尽管不是）先令人有痛感的崇高。此时的丑，却是彼时最沈重尖锐的武器，乃是最好的艺术，简直可令天地为之恸哭。
【三】像其它答案那样分析绘画的结构、线条、隐藏的美感有没有必要？这涉及到艺术的灵肉分离。90 年代刘小枫的「沉重的肉身」风靡大学校园，其中同名的这一篇论述的是「不能承受的生命之轻」中的灵魂与肉身之说。他认为在启蒙运动之后，灵魂有无已经不再意味着价值高低了。这也给我们提出了艺术与身体的问题，在现代，艺术还要不要灵魂？我们还要不要给艺术找出意义？如今的趋势是，艺术想要保持纯粹性，而所有的情感和道德成分都带上了生活的影子，是故艺术必须统统拒斥之。这不是作死吗？没错这就是作死，似乎在自掘坟墓。
而艺术如何重新找到出路呢？当丹托所构想的“红方块实验”中的红方块艺术品和红方块桌布一模一样，当艺术变成了不让人思考意义的躯壳，这是不能承受的艺术之轻吗？什么时候我们可以重新细细品读一个作品呢？我不知道，我只是个偶然闯进美学大门的小姑娘，还没有看见宝藏就已经晕头转向。已经远远偏题了，有万千话想说，所以从这一个“鉴赏不美的艺术”切入点开始，写了一系列分支的问题。感谢大家的赞同，共鸣总是好的，能予人启发也让我颇受鼓舞。不知为什么想起了王小波引过的一句话“只有歌要美，美却不要歌”。我们用种种方法想诠释美和艺术，想提高感受力，而艺术呢，甩甩头，走向莽丛中。